Edgar Maxence

Edgar Maxence nace en Nantes en 1871 y fallece en La Benerie-en-Retz en el año 1954, se trata de un pintor simbolista.

         Su formación pasa por se alumno de Elías Delaunay y Gustave Moreau en la Escuela de Bellas Artes de París, es un pintor condecorado siendo nombrado caballero en 1900, además obtuvo Medalla de oro en la Exposición universal de 1900.

         En cuanto a su linea de trabajo, le gusta tratar temas medievales y su técnica es a base de pastas gruesas con una pureza de lineas y caras realistas con fondos de color oro que acentúan la parte antigua del motivo.

         En ocasiones utiliza cera mezclada con aceite.

         Participó en activamente en los comités y jurados del Salón y pinta a La virgen en la bóveda del coro en la Basílica de Rosario en Lourdes e ilustra el libro Santa Juana de Arco del autor Jean-Joseph-Villepelet en 1954.

No es extraño

                        Paul Cézanne y Émile Zola, una amistad hecha película

Fotograma de la película 'Cézanne y yo' con Guillaume Gallienne (izquierda) interpretando al pintor y Guillaume Canet (derecha) haciendo de Émile Zola. EL MUNDO

Danièle Thompson recrea la amistad que unió, durante casi 40 años, a ambos en Provence

Paul Cézanne cumplió uno de sus sueños en más de una ocasión: pintar la Sainte-Victoire, la cadena de montañas calizas próximas a Aix en Provence, donde nació y en la que pasó buena parte de su infancia con su amigo el escritor Émile Zola. La inmortalizó hasta en 80 ocasiones: unas, desde la comuna El Tholonet; otras, desde las inmediaciones de Bellevue; pasando por las que realizó desde una loma próxima a su estudio en Les Lauves. Y así. Todas ellas distintas y surgidas desde la más absoluta admiración por la pintura, por el arte, por la pasión. La misma que le hizo escudarse de los críticos y acercarse a los impresionistas, sus compañeros de generación. Sólo ellos podían entenderle.

Ni si quiera su padre fue capaz de entrever lo que su hijo esperaba de la vida. Era el mayor de tres hermanos y el ascenso social y profesional de su progenitor le alejó, durante un tiempo, de si mismo. De repente, se convirtieron en una familia acomodada a la que la etiqueta de nuevo rico le hizo un flaco favor entre los demás nobles. Todo ello endureció aún más el carácter del joven pintor que, a pesar de su insistencia, comenzó a estudiar Derecho. Durante este tiempo, no mostró mucho interés por la carrera, sino que dibujaba y escribía poesía. Por lo que, poco después, consiguió la aprobación paterna para abandonar su casa y dirigirse a París, dónde vivía Zola desde que terminaron el bachillerato.

Ambos se conocieron en la escuela cuando tenían en torno a los 12 años y con motivo de una pelea. Por un lado, Zola, huérfano y sin dinero, decidió valerse de la burguesía a la que tanto atacó de joven para dar su gran salto a la literatura. Por otro lado, Cézanne, que venía de una familia adinerada rechazó toda vida social para centrarse únicamente en su obra. Pero sus esfuerzos de juventud fueron en vano, ya que la calidad de sus obras sólo se les reconoció al final de sus vidas.

En el prólogo a sus Novelas ejemplares Cervantes dice claramente que Jáuregui le pintó: "...pues le diera mi retrato el famoso don Juan de Jáurigui" (sic). Esta pintura está perdida. Ha habido un sinfín de intentos de identificar el perdido retrato con alguno que todavía existe, y ha tenido más éxito el que aparece en este artículo, pero ni los historiadores de arte ni los cervantistas aceptan éste u otro como auténtico o documentado.
Fue tan famosa la gran amistad de Jáuregui con Miguel de Cervantes, como su gran enemistad con los escritores Góngora, Lope y Quevedo -quien llegó a escribir contra él en su obra La Perinola-. En el mundo pictórico fue un pintor de gran calidad, algunos incluso comentan que fue más pintor que poeta. Su nombre se asociaba a otros pintores de la época como Pacheco, Céspedes o Mohedano -escritores también y al mismo tiempo-.

Julio Romero de Torres

Su pasión por el flamenco y la temática fundamental de sus cuadros le ha valido hasta hace pocos años un injusto e ignorante concepto localista de su obra. Su dimensión internacional y el impacto mediático del que disfrutó en su época están más que demostrados en documentos y hemerotecas. Apoyado por miembros de la Generación del 98, como Valle Inclán, su obra provocó el rechazo académico, por escandalosa, y el de los pintores modernos, por considerarla alejada de la vanguardia. 

Valle-Inclán, la actriz María Banquer y Julio Romero de Torres

Encuentro de Blasco y Sorolla en la playa

      Leonora Carrington y Remedios Varo, el hilo invisible

Hans Arp, Tristan Tzara & Richter

Cien años de Dadá, la vanguardia que cambió el siglo XX

Zúrich, febrero de 1916. En el oasis suizo rodeado por la masacre europea, un grupo de artistas y poetas exiliados prende la mecha de una revolución artística y vital en una pequeña e insólita sala de variedades: el Cabaret Voltaire. Aquel rincón fue el semillero improvisado del movimiento Dadá, que quiso fundir vida y arte usando la irracionalidad y la provocación como pegamento. En su ensayo Dadá. El cambio radical del siglo XX, recién editado en España por Anagrama, el profesor de la Universidad de Georgia Jed Rasula narra con profusión de datos y anécdotas la historia de esta corriente que cumple ahora 100 años.

El cabaret fue creado por la pareja de artistas Hugo Ball y Emmy Hanningstras varios meses dando tumbos desde que abandonaron Alemania con pasaportes falsos. Ball puso un anuncio en un periódico local: "Se hace una invitación a los jóvenes artistas de Zúrich para que acudan con sus propuestas y aportaciones sin que importe su orientación particular". La misma noche de la inauguración, preparada a la carrera sin un programa establecido, se dejaron caer por allí dos jóvenes rumanos, Marcel Janco y Tristan Tzara. El primero colgó sus obras de arte en las paredes del local y el segundo se ganó al público leyendo poemas que se sacaba de los bolsillos del abrigo. Así entraron a formar parte del grupo residente de aquellas veladas parecidas a las actuales noches de "micrófono abierto". Luego se unieron el artista Hans Arp, el poeta Richard Huelsenbeck y el pintor y cineasta Hans Richter a la troupe de agitadores en torno a la que pululaban todo tipo de espontáneos.

En una noche cualquiera en el Cabaret Voltaire podían representarse en su diminuto escenario "desde tiernas baladas hasta números que eran únicamente ruido y pataleo", escribe Rasula. Y, entre ambos extremos, poemas recitados simultáneamente en tres idiomas, cánticos folklóricos interpretados con balalaicas por una pandilla de estudiantes rusos, escenas del Ubú rey de Alfred Jarry, sonatas para piano y violonchelo de Saint-Saëns y bailes espasmódicos con máscaras africanas. El experimento duró cinco meses, pero fue el laboratorio de un movimiento que desde aquel cubículo zuriqués se extendió a Europa y a Estados Unidos y cuyos postulados han tenido un enorme eco no sólo en el arte posterior, sino en toda la cultura popular. 

Julio Silva y Julio Cortázar dos fraternos combatientes

La de Julio Silva (Argentina, 1930) y Julio Cortázar (Ixelles, 1914 - París, 1984) fue una amistad de combate lúdico durante más de tres décadas. Con espíritu infantil calado en la esencia de  cada uno, el escritor y el pintor jugaban box, escribían, pintaban, comían y bebían: “Una relación perfecta de dos amigos, mejor no pudo ser”, define Víctor Poll, editor.

Cofradía de la que da testimonio el propio Cortázar en las cartas que escribió a su amigo cuando andaba fuera de París, ciudad que compartieron. En esta correspondencia el autor de Rayuela abordó igual la edición de un libro en la editorial de Arnaldo Orfila, que el deterioro de su salud.

Las misivas junto con las publicaciones Los discursos de Pinchajeta y Silvalandia –obras que realizaron en colaboración en París– se compilan por primera vez en el libro El último combate. Julio Cortázar-Julio Silva (RM), un homenaje a la genialidad de los artistas quienes supieron hacer de sus travesuras una obra de arte.

El libro, que completa la serie El último round, presenta todas las colaboraciones que realizaron ambos creadores, el texto Un Julio habla del otro en el que Cortázar describe a Silva, y a manera de colofón la entrevista de Saúl Yurkievich a Silva titulada La pluma y la tijera, en la que Yurkievich, íntimo amigo de los dos, indaga en su forma de trabajar.

“El tema del libro, lo que sobrevuela todos los materiales que están reunidos, es la relación de los dos Julios que era una relación de amistad; sobre todo una relación basada en el juego y en una disputa intelectual a base de jugar, muy lúdica al aportar cada uno su obra. El trabajo de los dos básicamente se fundamentaba en ese juego”, comenta en entrevista Poll, quien realizó la edición del ejemplar en España.

Louise Abbéma

Nacida en 1858 dentro de una familia aristócrata en Etampes, Francia; Louise Abbéma tuvo una temprana introducción al mundo de las artes. Fue pintora, grabadora, escultora, diseñadora, escritora, y una de las mujeres más existosas de su época. Fue discípula de Charles Chaplin, Jean-Jacques Henner y Carlus-Duran, quienes le enseñaron sobre pintura, ya que aún no era común el que las mujeres fuesen aceptadas en las academias de arte.

En 1876, a los 18 años, su retrato de Sarah Bernhardt, actriz de cine y teatro francesa con quien tuvo una relación amorosa, fué exhibido en el Salón de París, donde tuvo gran éxito. Abbéma se convirtió en la retratista oficial de Bernhardt.

Como pintora, se especializó en acuarela y retratos al óleo, y un tema que se repite particularmente son las flores. Su obra está influenciada por el arte chino y japonés (muy de moda en la época), y por los grandes maestros de entonces, como Édouard Manet.

En 1900, obtuvo una medalla de bronce en la Exposición Universal de París. Fue nominada pintora oficial de la Tercera República.

Abbéma escribió que fue la pintora lesbiana Rosa Bonheur quien la hizo querer ser una artista.

Laure Albin Guillot

 Mrs Hubbel

La gran dama de la fotografía francesa. Para  muchos críticos y profesionales de la época, fue, en su tiempo, la mejor fotógrafa del mundo.

Etude de nu au feminin

Biografía

Laure Manffredi era hija de una familia burguesa acomodada, que estudió pintura y dibujo, y cuyo interés por la fotografía se inició tras su matrimonio en 1987 con el médico y científico Dr. Albin Guillot, y los amigos que los frecuentaban: políticos, intelectuales, arquitectos…, fueron el tema de sus primeros retratos. También realizó paisajes de estilo pictorialista, para practicar algunas técnicas, como la copia al carbón Fresson (muchas de ellas en colaboración con el propio Pierre Fresson) y otras alquimias de laboratorio. Sus copias son impecables.

Sin embargo, no fue una pictorialista, como muchos la han encasillado, sino que pasó del pictorialismo a formar parte de la Nouvelle vision de los años 30.

Desde 1901 y en  colaboración con su esposo fotografió especímenes microscópicos, células de plantas y organismos animales, con un resultado espectacular,  y fue su primer gran trabajo, que se publicó con el nombre de Micrografie Decorative en 1931, en honor a su marido muerto.

Realizó unas magnificas ilustraciones de desnudo masculino  para el poema Narcisse de Paul Valery, que rendido a su talento le escribió “…ha hecho usted simplemente un poema al lado del mío …”. Sus desnudos femeninos, son también antológicos, e ilustró 12 Chansons de Bilitis del poetaPierre Löuys en 1937, y la Deesse Cypris de Henry de Monhterlant. Y con Man Ray y Pierre Boucher, Le Un en Photographie.

Después de la guerra, Laure continuó trabajando para ganarse la  vida. Moda, retrato y niños eran sus recursos seguros. Con su edad, sin embargo, los cajones de su estudio estaban llenos de ideas que en su mayor parte no pasaron de ser sólo proyectos.

A final de los años 50, una inundación destruyó gran parte de su trabajo de los años 20 y 30. A Laure le resultó  ya muy difícil recuperar las fuerzas  tras la catástrofe. Y la llama de la creación, se fue extinguiendo, hasta su muerte.

Sus fotografías se encuentran en numerosas colecciones, incluyendo el Getty Museum, Yale University Art Gallery, National Galery of Canada, George Eastman House, la Biblioteque Nationale y, por supuesto, la Societé Francaise de Photographie.

A las exposiciones que realizó en vida, se suma la que se realiza estos días, hasta el 12 de mayo de 2013, en la Galería Nacional del Jeu de Paume, en París.

 

Jean Cocteau 

El Lirismo de Laure Albin Guillot

Henri-Edmond Cross

Bañistas, c.1892/ 1895

Saint-Clair Paisaje

Bañistas, 1899-1902

The Washerwoman

El pelo

Regata en Venecia

L'Air du soir 

El Aire de la tarde

En abril de 1893, Henri-Edmond Cross, instalado desde hacía dos años en el Sur de Francia, recibió una carta por la cual su amigo, el pintor Paul Signac, le propone: "¿Porqué, ya que a ambos nos gusta y conocemos este país del sol, no intentaríamos en común, erigirle un monumento decorativo?". Para Signac este monumento se convertirá en En la época de armonía que integró el ayuntamiento de Montreuil y para Cross será El Aire de la tarde.

El pintor ha elegido representar un atardecer, cuando el calor y la luz se apaciguan. Todo en su obra traduce la plenitud del momento representado: la suavidad del sol poniente, la armoniosa composición en cuya se equilibran las horizontales y verticales, las figuras con poses suspendidas en el tiempo.

Si el pintor sigue fiel a la técnica neo-impresionista del punto, debe no obstante adaptarla al gran formato de su composición. Por lo que utiliza entonces una amplia pincelada rectangular que, creando un efecto de mosaico, intensifica el carácter decorativo del cuadro.

Las ambiciones decorativas de la obra, nuevas en el artista, como la disposición clásica de la composición en la que las figuras se integran perfectamente en un paisaje ideal, son una filiación directa del Dulce país de Puvis de Chavannes hoy conservado en el museo Bonnat de Bayona.

Presentada en la IIIa exposición del grupo neo-impresionista, y después en el Salón de los Independientes de 1894, la obra fue luego regalada por el pintor a Signac. Fue en el comedor de éste, en La Hune, que Henri Matisse descubrió la obra y se inspiró de esta él también en Lujo, calma y voluptuosidad.

El uno para el otro

Algunos hombres están unidos por un espíritu plurisiamés.

Algunas épocas fabrican zonas de urdimbre humana. Collages de carne y hueso.

Raymond Roussel
Henri Rousseau
Chirico
Leiris

Marcel Duchamp parece haber difundido  el nombre de Roussel entre los dadaístas parisinos, que descubrirían al autor en  las representaciones de Locus Solus en  1922. Philippe Soupault, Paul Eluard, Roger Vitrac, toman desde entonces su  defensa en las revistas dadá y luego en  las surrealistas; ven en él un equivalente  al aduanero Rousseau, o comparan el  jardín de Locus Solus a las explanadas  despobladas de Giorgio de Chirico.

Un culto “rousseliano” toma cuerpo  progresivamente: “el presidente de la  república de los sueños” (Louis Aragon),  “el mayor hipnotizador de los tiempos  modernos” (André Breton), “el ojo pegado  a su microscopio” (Robert Desnos). Para  los surrealistas, Roussel es quien lleva a  cabo “la huida del terreno de la realidad hacia el de la concepción”  (Michel Leiris). Este último, unido a la familia Roussel por su padre, que fue su hombre de negocios, va a ligar íntimamente su pasión  por el escritor a su trabajo de etnólogo y poner bajo el signo de las  Impresiones de África la misión Dakar-Djibouti, su primera expedición etnográfica, parcialmente financiada por Roussel y que llevará a cabo  bajo la dirección de Marcel Griaule en 1931-1932. En las páginas de  la revista Documents de Georges Bataille, Leiris rinde homenaje  a la pintura de las Impresiones de un África tan maravillosa que su  exotismo no le debe nada a los estereotipos coloniales de su época.

Algunas obras impresionantes no hubieran tenido lugar sin la asociación anímica y estilística de dos.

Historia del soldado

Obra de Ígor Stravinski‎‎ compuesta en 1917 a partir de un texto de su amigo Charles Ferdinand Ramuz para tres actores (el soldado, el diablo y la princesa) y siete instrumentos (violín,contrabajo, fagot, corneta, trombón, clarinete y percusión).

Escenografiada por René Auberjonois; se estrena el 28 de septiembre en Lausana.

Esta obra nació de las dificultades que Igor Stravinsky, exiliado en Suiza durante la guerra, tuvo para conseguir patrocinio para estrenar sus obras. Tras la traducción de Las bodas por su amigo Ramuz y la imposibilidad de que Diaghilev siguiera financiando su producción, Stravinsky creó una obra totalmente distinta, en la que los medios materiales se limitaban al máximo, una ópera de cámara sin cantantes, muy pocos actores (tres) y un grupo escogido de músicos (sólo siete). Ramuz fue el encargado, por el propio compositor, de escribir el libreto. El texto está inspirado en uno de los cuentos militares de Alexander Afanasiev. Con decorados del pintor René Auberjonois, la pieza se estrenó el 28 septiembre de 1918 en el Teatro Municipal de Lausana, interpretada por músicos de la Orquesta de la Suiza Romanda que dirigía Ernest Ansermet. No existía otra obra escrita para esta dotación de siete instrumentos (violín, contrabajo, clarinete, fagot, trompeta, trombón y percusión). El clarinetista y mecenas Werner Reinhardt financió la producción.

Historia del soldado (versión libre de Rafael Alberti [1932]), Sevilla, Fundación El Monte, 2001. Música de Igor Stravinsky. Introducción de Eladio Mateos Miera. Adaptación y comentarios de José Martos. La versión libre que Rafael Alberti hizo del texto de Ramuz se estrenó en 1932 en el despararecido Teatro Coliseo. El propio Alberti leyó la historia y la Orquesta Bética de Cámara, dirigida por Federico Elizalde, puso la música al concierto que había organizado el grupo literario Mediodía. Rafael Alberti regaló luego el manuscrito de su traducción al poeta sevillano Adriano del Valle, en cuyo archivo familiar ha permanecido hasta su donación a la Fundación El Monte, que ha realizado este fascímil.

Historia del soldado (adaptación de Javier Tomeo), disco-libro ilustrado por Juan Carlos Eguillor, DD&R, 2003. Dirección de José Luis García Sánchez, arreglos de Paquito D’Rivera, con las voces de Nacha Guevara, Vladimir Cruz y Javier Gurruchaga. Grammy latino 2003 al mejor disco clásico.

CHARLES-FERDINAND RAMUZCharles-Ferdinand Ramuz (Lausana, 1878 - Pully, 1947) es el escritor más célebre de la Suiza francófona. Conoció París en su juventud, pero pronto descubrió su interés por recuperar la cultura de sus abuelos campesinos y volvió a su país natal, donde desarrolló una original y extensísima obra literaria, entre la que figura el texto de Historia del soldado, ópera singular con música de su amigo Igor Stravinsky. Cronología

A Soldier's Story

Ígor Stravinski