Ferdinand Hodler

Artista esencial del paso del naturalismo del siglo XIX al expresionismo del XX. Con una rica y variada trayectoria, el pintor suizo está considerado uno de los pintores de paisajes más originales y brillantes de la historia del arte, figura clave del simbolismo y precursor del expresionismo. 

Ferdinand Hodler (Gurzelen, 1853-Ginebra, 1918) vivió en la época del desarrollo de la modernidad, los descubrimientos científicos y el progreso técnico que trajeron consigo grandes e importantes cambios políticos y económicos. Hodler se comprometió con estas transformaciones porque comprendía que el mundo nuevo en el que le tocaba vivir necesitaba también una nueva pintura.

Gozó de una gran fama y éxito durante mucho tiempo y, como muchos otros artistas, después vino el olvido, algo que es difícil de explicar si tenemos en cuenta su variada y rica trayectoria y su potencia creativa. Está considerado uno de los pintores de paisajes más originales y brillantes de la historia del arte occidental, figura clave del simbolismo, precursor del expresionismo y muy valorado por el tratamiento de temas sobre el trabajo y la muerte.

Ferdinad Hodler nació en Gurzelen, cerca de Berna, en el seno de una humilde familia, su padre era carpintero y su madre cocinera. Cuatro de sus cinco hermanos y sus padres murieron de tuberculosis, algo que le marcó tan profundamente que uno de sus referentes en su trabajo es la muerte desde el principio de su trayectoria.

Hodler era un excelente paisajista. Recreó su patria, Suiza, desde amenazadoras montañas y espectaculares lagos, hasta sencillos árboles o rocas y, a veces, apenas manchas. El paisaje es el tema con el que se inició como pintor y en el que apreciamos claramente su evolución. Tras una primera etapa figurativa en la que expresa la sencillez de un paisaje lleno de un sereno realismo pasa a partir de 1890 a experimentar un cambio de estilo. No solo quiere reproducir el paisaje, sino dotar a sus obras de un mensaje más profundo, aportar una dimensión espiritual a su pintura, algo que consigue gracias al simbolismo y para ello utilizó ampliamente la simetría como base compositiva –lo que él llamaba el principio del “paralelismo”– e hizo un uso del color lleno de audacia e intensidad.

Ícaros

Paisaje con la caída de Ícaro es un pintura al óleo sobre lienzo que durante mucho tiempo se pensó que era obra de Pieter Brueghel el Viejo, aunque tras examinarla en 1996 se considera muy dudoso.​ Es probable que se trate de una versión de un original de Brueghel que se ha perdido.​ Basada en la versión de la historia que presenta Ovidio en Las metamorfosis, la pintura fue el tema de un poema con el mismo nombre de William Carlos Williams, y fue descrito en el poema de W. H. Auden Musée des Beaux-Arts, que recibe el nombre del museo en el que se encuentra la pintura en Bruselas.

En la mitología de la Antigua Grecia, Ícaro consiguió volar con alas hechas de plumas pegadas con cera, pero en su vuelo se acercó tanto al sol que se fundió la cera, cayó al mar y se ahogó. Sus piernas se pueden ver en el agua, junto al barco más grande de la pintura.

Aunque el arte de paisajes con el tema del título representado por pequeñas figuras en la lontananza eran un motivo habitual en la Pintura flamenca de los siglos XV y XVI, el tener formas sin mucha relación con el tema en primer plano es original, y representa una ruptura respecto a la jerarquía de los géneros. Otros paisajes de Brueghel, como por ejemplo Los cazadores en la nieve (1565) muestran figuras en primer plano, pero no tan grandes y en ausencia de algo de una clase «superior» en el fondo.

Se desconocía la existencia de esta pintura hasta que la compró el museo en 1912; a continuación apareció otra versión, en la que Ícaro está aún en el aire, generalmente considerada inferior, y se encuentra en otro museo de Bruselas.​ Es la única pintura de Brueghel de tema mitológico, y sería su único óleo sobre lienzo, pues sus otras obras sobre lienzo son témperas. La perspectiva del barco y las figuras no es totalmente correcta, aunque esto puede reforzar la composición. También realizó un grabado con el barco y las dos figuras cayendo.

El labrador del arado, el pastor y el pescador aparecen mencionados en el relato de Ovidio; están: «asombrados y creen ver a los dioses aproximándose a través del éter»,​ lo que no cuadra precisamente con la impresión que da el cuadro. También hay un proverbio flamenco que dice «Ningún arado se detiene porque un hombre muera».​ La pintura puede, como sugiere el poema de Auden, mostrar la indiferencia de la humanidad al sufrimiento, resaltando que los hombres siguen con sus quehaceres a pesar de la muerte de la figura mitológica.

Jacob Peter Gowy, La caduta di Icaro (1636-1638)

The Lament for Icarus by Herbert James Draper

Dédalo era el arquitecto, artesano e inventor muy hábil que vivía en Atenas. Aprendió su arte de la misma diosa Atenea. Era famoso por construir el laberinto de Creta e inventar naves que navegaban bajo el mar. Se casó con una mujer de Creta, Ariadna y tuvo dos hijos llamados Ícaro y Yápige.

Su sobrino Talos era su discípulo, gozaba del don de la creación, era la clase de hijo con que Dédalo soñaba. Pero pronto resultó más inteligente que el mismo Dédalo, porque con solo doce años de edad invento la sierra, inspirándose en la espina de los peces; sintió mucha envidia de él tras compararlo con su hijo.

Una noche subieron el tejado y desde allí; divisando Atenas, veían las aves e imaginaban distintos mecanismos para volar. Ícaro se marchó cansado, y después de engañar Dédalo a Talos, lo mató empujándole desde lo alto del tejado de la Acrópolis. Al darse cuenta del gran error que había cometido, para evitar ser castigado por los atenienses, huyeron a la isla de Creta, donde el rey Minos los recibió muy amistosamente y les encargó muchos trabajos.

                           Charles Paul Landon

Carlos Saraceni Año: 1606-1607

Antonio Canova - Dedalo e Icaro

Chagall

Nils Dardel, el dandy moribundo

Autorretrato

Nils von Dardel (o Nils de Dardel) fue un pintor sueco cuya obra se considera, de una manera genérica, post-impresionista. Se formó en la Real Academia Sueca de las Artes de Estocolmo entre 1908 y 1910. Cuando terminó sus estudios viajó a París para completar su formación, moviéndose entre pintores del círculo fauvista y entre amigos como Amadeo Modigliani y Jules Pascin.

De espíritu inquieto y hedonista fue el prototipo de bohemio y artista-dandy  que causaba furor tanto entre las damas como entre algunos caballeros, ejercitando sin excesivos reparos su bisexualidad.  (Florian Illies cuenta en "1913, un año hace cien años" como el apasionado marchante Flechtheim se enamoró locamente de Dardel: "va a desahogarse con el joven Nils de Dardel, un artista sueco de de físico deslumbrante y mano pésima para la pintura (no tan pésima). Flechtheim se enamora de él, razón por la cual Betti amenaza con abandonarlo. La inminente pérdida del honor debido a la separación, la admisión de su homosexualidad y las elevadas deudas empujan a Flechtheim, dado que no puede retar a duelo a nadie, a decidir que el suicidio es la única forma de salvaguardar su dignidad". Finalmente la sangre no llegó al río y Flechtheim "se convirtió en uno de los mayores galeristas de la modernidad, aunque en 1913 expusiera incluso los feos cuadros de su ex amante Nils de Dardel junto a Cézanne y Picasso". No comparto los criterios artísticos de Illies: Dardel, como muchos pintores, tiene cuadros que merecen mucho la pena y otros que no tanto).

En 1921 se casó con Thora Klinckowstrom  con quien tuvo una hija -Ingrid-, que también fue pintora.

El estilo de Von Dardel varió mucho a lo largo de los años, mostrando importantes diferencias estilísticas tal y como muestro en este post, aunque el grueso de su producción podría englobarse en los amplios espacios del post-impresionismo.

Dardel vivió una vida nómada sin llegar a establecerse en ninguna parte. Fue un viajero prolífico, y tomó influencias y motivos de distintos países. Muchos de sus retratos y paisajes reflejan sus desplazamientos. que conoció a lo quien conozca a lo largo de sus viajes. También se sabe que tenía tendencias autodestructivas.​

No fue particularmente apreciado en vida. Hubo que esperar a los años 1950, cuando la Liljevalchs konsthall mostró una retrospectiva de la vida y obra de Dardel, para que captara la atención del público.

Nils falleció en la ciudad de Nueva York en 1943,4​ y fue enterrado en el cementerio de Ekerö, en las afueras de Estocolmo.5​

Sus obras están expuestas en varios museos y galerías, como el Museo Nacional de Estocolmo, el Museo de Arte de Gotemburgo, el Museo Nacional de Malmö, la Galería Nacional de Noruega y el Waldermarsudde. Sus obras Självporträtt (Autorretrato) y Visit hos en excentrisk dique (Visita a una señora excéntrica) fueron reflejadas en la serie filatélica Svenska konstnärer i Paris (Artistas suecos en París), emitida en 1988.

El dandy moribundo

Su cuadro de 1918 Den döende dandyn (El dandy moribundo) fue vendido dos veces por cifras récord en la casa de subastas Bukowskis de Estocolmo: primero en 1984 por 3,4 millones de coronas suecas y de nuevo en 1988 por 13 millones de coronas.6​ Simultáneamente, la imagen adoptó un papel de icono del movimiento gay sueco de los años 1980. Sus trabajos pasaron a analizarse desde la naciente óptica de los estudios de género, y la ambivalencia del sexo de sus personaje fue un tema de estudio.

Su obra Vattenfallet (Cascada) se vendió en 2012 a una persona anónima por 25 millones, siendo el cuadro modernista sueco más caro hasta la fecha, y superando el registro anterior de El dandy moribundo.

Paul Ranson, profeta

Retrato de Paul Ranson vestido como profeta - 1890 - por Paul Sérusier -

Portrait of Paul Ranson by Georges Lacombe - 1905

Paul-Elie Ranson, nació en Limoges el 29 de marzo de 1861. Huérfano de madre al nacer, Paul-Elie Ranson fue criado por su padre, Louis Casimir Ranson (1828-1898), político exitoso, alcalde de Limoges de 1870 a 1871 y luego de 1881 a 1885 y diputado republicano radicalmiembro de la Haute-Vienne de 1885 a 1889 y sus abuelos. Él fue introducido en el dibujo por su abuelo Jean-Jacques Maquart y se integra en 1877 en la escuela de Bellas artes aplicadas de la industria de Limoges. 

En 1884, se casó con su prima hermana Marie-France Rousseau y estudió un tiempo en la Escuela Nacional Superior de las Arts Decorativas, que abandonó para entrar en el Académia Julian en 1886-1891, allí fue donde conoció a Paul Sérusier,  El formó parte de los cinco miembros fundadores del grupo Nabis establecido en 1888. Se reunían primero en el café restaurante la Médula Ósea, pasaje Brady, ( otros dicen en el Café Volpini ) y a partir de 1889, cada sábado se reunían en el estudio de paul Ranson sobre el apartamento de la familia retitulado para la ocasión como " El Templo ", ubicado en el nº 25, del bulevard du Montparnasse. Él  fue quien introdujo el lenguaje secreto de los Nabis en el grupo. Allí fue donde conoció a Henri-Gabriel Ibels, Pierre Bonnard y Maurice Denis. Apasionado de las marionetas desde su más joven edad, comunica su pasión a todo el grupo. 

Paisaje Nabi - 1890 

Sibyl - Paul Ranson 1891

En 1891, participó en las representaciones simbólicas del Teatro del Arte, donde los nabis fueron llamados por Paul Fort para organizar una actuación simbólica en beneficio de Paul Verlaine y Paul Gauguin. Donde realizaron Querubín de Charles Morice y Los Intrusos de Maeterlinck. En 1892, participó en la representación de un espectáculo de Maurice Maeterlinck, Siete princesas, en la casa de Georges Coulon, consejero de estado. Él realizo la puesta en escena de Ubu rey, de Alfred Jarry en el Teatro de las Marionetas de Claude Terrase.

El adorador de serpientes

Participó en exposiciones colectivas organizadas por Le Barc de Boutteville en su galería e la calle Le Peletier de 1891 a 1895, así como en el Salon des Indépendants y el salón de la Libre Esthétique en Bruselas desde 1894. Ese mismo año, creó su teatro de títeres  " El Templo ", Maurice Denis y Georges Lacombe fabricaron las marionetas , Marie-France Ranson hizo los trajes. Los dos años siguientes fueron de penuria, la muerte de su suegro, Charles Rousseau, le obligada a trsladarse. Se instala el la calle d ' Alençon, a dos pasos de su taller.

Su interés por la teosofía, el espiritismo, la magia, el ocultismo lo distingue de los otros nabis. Sus muchas actividades lo llevaron especialmente a las artes decorativas ( paneles decorativos, papel tapiz, tapices, vidrieras ). En esta capacidad, trabaja para la apertura de la 'exposición permanente e internacional', titulada Arte Nouveau, programada para el 1 de octubre de 1895 en la galería de Samuel Bing, llamada después La Casa del Art Nouveau, en 19 rue Chauchat, con paneles acompañando muebles de Henry Van de Velde y las vidrieras hechas por el vidriero estadounidense Louis Comfort Tiffany. 

Dibuja conjuntos de teatro para " El barco ebrio " según Arthur Rimbaud con Paul Sérusier, monta su propio teatro de marionetas, diseña programas, colabora con el Teatro de las Marionetas con los otros nabis a finales de 1897, Realiza caricaturas cómicas  y anticlericales, diseña motivos para una caja de cigarros. Ranson demostró un compromiso constante con las artes decorativas: como Maillol hizo diseños para tapices, algunos de los cuales fueron ejecutados por su esposa. En 1898, su esposa espera su hijo Michel: este evento va a transformar la vida de Paul Ranson que tiene dificultades para aceptar esta maternidad, privándolo de su modelo y su colaborador en la obra de tapices. 

Desde 1899, su salud se deteriora y su pintura evoluciona. Visita a su amigo Georges Lacombe ayudándole a decorar la casa L'ermitage, cerca de Alençon. En 1905, regresó a su casa y organizó reuniones otra vez con sus compañeros nabis. Al final de su vida se inclinó por temas mitológicos, bíblicos, anticlericales y de brujería. 

En 1908, fue nombrado oficial de la Academia. Ante sus dificultades financieras y su estado de salud, el grupo de los nabis decidió fundar una Academia en la rue Henry Monnier con el nombre de su amigo y confiando a él la dirección. La apertura tiene lugar el octubre de 1908, con un significativo número de entradas. Después de su muerte su esposa continuó el proyecto de la Académie Ranson, transferida a la calle Joseph Bara. La enseñanza fue realizada sobre una base voluntaria por otros Nabis, especialmente Denis y Sérusier.

Murió en París de fiebre tifoidea el 20 de febrero de 1909. Además de su pertenencia a los nabis, dejó una obra que va desde la pintura de caballete hasta las artes decorativas, pintura esencialmente gobernada por el significado de la decoración que hicieron de él uno de los promotores del Art nouveau.

La habitación azul

Nabis es la denominación de un grupo de artistas franceses de finales del siglo XIX, caracterizados por su preocupación por el color. Por lo diverso de sus actividades, llegaron a convertirse en una influencia principal sobre el arte de la época.

Influido por Gauguin, el grupo fue liderado por Paul Sérusier; y entre sus componentes estuvieron los pintores Odilon Redon, Puvis de Chavannes, Édouard Vuillard, Pierre Bonnard, Maurice Denis, Ker-Xavier Roussel, Félix Vallotton, Georges Lacombe, el escultor Aristide Maillol, y Paul Ranson, eran artistas jóvenes del ambiente artístico de París. No tuvo mayor difusión en el resto de Europa.

La palabra hebrea nebiim, que significa "profeta", fue de la que derivó la palabra nabis que dio nombre al grupo: "el grupo profeta", para indicar que era adelantado a su tiempo, que tenía nuevas inquietudes y abría nuevos caminos en el ámbito del arte. El que los "profetas" se reunieran en "el templo", añade connotaciones genéricamente religiosas al grupo.

Famila Hopper

Norman Lundin

Alberto Martin Giraldo

 Anne Françoise Couloumy

Carlos Morago

Antonio López

Isabel Quintanilla

Guillermo Muñoz Vera

Amalia Avia

Kenny Harris 

Matteo Massagrande

Alberto Morrocco

Odilon Redon, raro brillante

Pintor de la imaginación y del subconsciente en plena hegemonía del naturalismo, contemporáneo de los impresionistas, con los que expuso en 1886, pero con los que no compartió la misma estética, Odilon Redon (Burdeos, 1840-París, 1916) fue un artista al margen. A pesar del papel fundamental que ha desempeñado en la génesis del arte moderno, así como de su innegable celebridad y de haber producido una obra, a día de hoy, presente en casi todos los grandes museos, sigue siendo uno de los artistas menos conocidos del cambio de los siglos XIX y XX.

Odilon Redon (1840-1916)

En torno a Redon